artistes americans. 7 mestres que van sorprendre el món

Els artistes americans són molt diversos. Alguns eren clarament cosmopolites, com Sargent. Americà d'origen, però va viure gairebé tota la seva vida adulta a Londres i París.

Entre ells també hi ha autèntics nord-americans que només van retratar la vida dels seus compatriotes, com Rockwell.

I també hi ha artistes que no són d'aquest món, com Pollock. O aquells l'art dels quals s'ha convertit en un producte de la societat de consum. Això és, per descomptat, sobre Warhol.

No obstant això, tots són americans. Amant de la llibertat, atrevit, brillant. Llegeix sobre set d'ells a continuació.

1. James Whistler (1834-1903)

Whistler difícilment es pot anomenar un autèntic nord-americà. De gran va viure a Europa. I va passar la seva infantesa... a Rússia. El seu pare va construir un ferrocarril a Sant Petersburg.

Va ser allà on el nen James es va enamorar de l'art, visitant l'Ermita i Peterhof gràcies a les connexions del seu pare (en aquella època encara eren palaus tancats al públic).

Per què és famós Whistler? Sigui quin sigui l'estil en què escrigui, des del realisme fins al tonalisme*, es pot reconèixer gairebé immediatament per dues característiques. Colors i noms musicals inusuals.

Alguns dels seus retrats són imitacions d'antics mestres. Com, per exemple, el seu famós retrat "La mare de l'artista".

L'artista va crear una obra sorprenent amb colors que van des del gris clar fins al gris fosc. I una mica de groc.

Però això no vol dir que a Whistler li agradin aquests colors. Era una persona extraordinària. Podia aparèixer fàcilment a la societat amb mitjons grocs i amb un paraigua brillant. I va ser quan els homes es van vestir exclusivament de negre i gris.

També té obres molt més lleugeres que “Mother”. Per exemple, "Symphony in White". Així va anomenar el quadre un dels periodistes de l'exposició. A Whistler li va agradar aquesta idea. Des de llavors, ha titulat musicalment gairebé totes les seves obres.

Però aleshores, el 1862, al públic no li va agradar la Simfonia. De nou, a causa dels esquemes de colors peculiars de Whistler. La gent pensava que era estrany pintar una dona de blanc sobre un fons blanc.

A la imatge veiem la mestressa pèl-roja de Whistler. Molt en l'esperit dels prerrafaelites. Després de tot, en aquella època l'artista era amic d'un dels principals fundadors del prerafaelisme, Gabriel Rossetti. Bellesa, lliris, elements inusuals (pell de llop). Tot és com ha de ser.

Però Whistler es va allunyar ràpidament del prerafaelisme. Ja que no era la bellesa externa el que era important per a ell, sinó l'estat d'ànim i les emocions. I va crear una nova direcció: el tonalisme.

Els seus nocturns paisatgístics a l'estil del tonalisme són realment com la música. Monocrom, viscós.

El mateix Whistler va dir que els títols musicals ajuden a centrar-se en la pintura en si, les línies i els colors. Al mateix temps, sense pensar en el lloc i les persones que es representen.

El tonalisme, com el seu proper impressionisme, a mitjans del segle XIX, el públic tampoc va quedar impressionat. Massa lluny del realisme popular en aquella època.

Però Whistler tindrà temps d'esperar el reconeixement. Cap al final de la seva vida, la gent començarà a comprar la seva obra de bon grat.

2. Mary Cassatt (1844-1926)

Mary Cassatt va néixer en una família adinerada. Podia viure tota la seva vida sense preocupacions. Casar-se i tenir fills. Però va triar un camí diferent. Fer un vot de celibat pel bé de la pintura.

Era amiga d'ella Edgar Degas. Una vegada el dimecres impressionistes, Em va fascinar per sempre aquesta direcció. I la seva “Girl in a Blue Chair” és la primera obra impressionista que va veure el públic.

Però a ningú li va agradar molt la imatge. Al segle XIX, els nens eren representats com àngels obedients asseguts, amb rínxols arrissats i galtes rosades. I aquí hi ha un nen, que està clarament avorrit, assegut en una posició massa relaxada.

Però va ser Mary Cassatt, que mai va tenir els seus propis fills, qui va ser gairebé la primera a començar a retratar-los com a naturals, com són.

Per aquell temps, Cassatt tenia un greu "defecte". Era una dona. No podia permetre's el luxe d'anar sola al parc a pintar de la vida. A més, aneu a una cafeteria on es van reunir altres artistes. Tots homes! Què podria fer ella?

Escriu festes de te monòtones de dones a sales d'estar amb xemeneies de marbre i jocs de te cars. La vida és mesurada i infinitament avorrida.

Mary Cassatt mai va rebre reconeixement. Al principi va ser rebutjada pel seu impressionisme i la suposada naturalesa inacabada dels seus quadres. Aleshores, ja al segle XX, va quedar molt "antiquat", ja que el modernisme estava de moda (Klimt) i el fauvisme (Matisse).

Però es va mantenir fidel al seu estil fins al final. Impressionisme. Pastís suau. Mares amb fills.

Pel bé de la pintura, Cassatt va abandonar la maternitat. Però el seu costat femení es va manifestar cada cop més en obres tan tendres com "Sleeping Child". És una llàstima que una vegada la societat conservadora l'hagi confrontat amb aquesta elecció.

3. John Sargent (1856-1925)

John Sargent estava segur que seria retratista tota la seva vida. La meva carrera anava bé. Els aristòcrates es van fer cua per demanar-li.

Però un dia, segons la societat, l'artista va traspassar la línia. Ara ens costa entendre què és tan inacceptable a la pel·lícula "Madame X".

És cert que a la versió original l'heroïna tenia una de les seves corretges baixades. Sargent la va "criar", però això no va ajudar. Les comandes s'han assecat.

Quina cosa obscena va veure el públic? I el fet que Sargent va retratar la model amb una postura massa segura de si mateix. A més, la pell translúcida i l'orella rosa són molt eloqüents.

La imatge sembla dir que aquesta dona amb una sexualitat augmentada no és contrari a acceptar els avenços d'altres homes. A més, estar casat.

Malauradament, els contemporanis no van veure l'obra mestra darrere d'aquest escàndol. Un vestit fosc, pell clara, una postura dinàmica: una combinació senzilla que només poden trobar els artesans més talentosos.

Però cada núvol té un revestiment de plata. Sargent va rebre la seva llibertat a canvi. Vaig començar a experimentar més amb l'impressionisme. Escriure als nens en situacions immediates. Així va aparèixer l'obra “Carnation, Lily, Lily, Rose”.

Sargent volia capturar un moment concret del crepuscle. Per tant, només treballava 2 minuts al dia quan la il·luminació era adequada. Treballava a l'estiu i a la tardor. I quan les flors es van marcir, les vaig substituir per artificials.

En les últimes dècades, Sargent va desenvolupar un gust per la llibertat que va començar a abandonar completament els retrats. Encara que la seva reputació ja ha estat restaurada. Fins i tot va acomiadar de manera grollera un client, dient que estaria més feliç de pintar-li la porta que la cara.

Els contemporanis van tractar Sargent amb ironia. Considerant-lo obsolet en l'època del modernisme. Però el temps ho ha posat tot al seu lloc.

Ara les seves obres no valen menys que les obres dels modernistes més famosos. Bé, no hi ha res a dir sobre l'amor del públic. Les exposicions amb les seves obres sempre estan exhaurides.

4. Norman Rockwell (1894-1978)

És difícil imaginar un artista més popular durant la seva vida que Norman Rockwell. Diverses generacions d'americans van créixer amb les seves il·lustracions. Estimar-los amb tota la meva ànima.

Després de tot, Rockwell va retratar els nord-americans normals. Però al mateix temps mostrant les seves vides des del costat més positiu. Rockwell no volia mostrar ni pares malvats ni mares indiferents. I no trobaràs cap nen infeliç amb ell.

Les seves obres estan plenes d'humor, colors rics i expressions facials molt hàbilment captades de la vida.

Però és una il·lusió que la feina fos fàcil per a Rockwell. Per crear una pintura, primer podria fer fins a un centenar de fotografies dels seus subjectes per capturar els gestos adequats.

Les obres de Rockwell van tenir una influència enorme en la ment de milions d'americans. Després de tot, sovint parlava a través dels seus quadres.

Durant la Segona Guerra Mundial, va decidir mostrar per què lluitaven els soldats del seu país. Després d'haver creat també el quadre "Llibertat del desig". En forma d'Acció de Gràcies, on tots els membres de la família, ben alimentats i satisfets, s'alegren de les vacances familiars.

Després de 50 anys al Saturday Evening Post, Rockwell va marxar a la revista Look, més democràtica, on va poder expressar les seves opinions sobre temes socials.

L'obra més impactant d'aquells anys és "El problema amb què vivim".

Aquesta és la història real d'una noia negra que va anar a una escola blanca. Des que es va aprovar una llei que les persones (i per tant les institucions educatives) ja no haurien d'estar separades per raça.

Però no hi havia límit a la ira de la gent del poble. De camí a l'escola, la noia va ser custodiada per la policia. Aquest és el moment de "rutina" que va mostrar Rockwell.

Si voleu conèixer la vida dels nord-americans amb una llum lleugerament embellida (com ells mateixos volien veure-la), assegureu-vos de mirar les pintures de Rockwell.

Potser, de tots els pintors presentats en aquest article, Rockwell és l'artista més nord-americà.

5. Andrew Wyeth (1917-2009)

A diferència de Rockwell, Wyeth no va ser tan positiu. Reclus per naturalesa, no va intentar embellir res. Al contrari, va representar els paisatges més corrents i les coses poc remarcables. Només un camp de blat, només una casa de fusta. Però fins i tot va aconseguir albirar alguna cosa màgic en ells.

La seva obra més famosa és "El món de Christina". Wyeth va mostrar el destí d'una dona, la seva veïna. Paralitzada des de petita, es va arrossegar per la seva granja.

Així que no hi ha res romàntic en aquesta imatge, com podria semblar al principi. Si mireu bé, la dona està dolorosamente prima. I sabent que les cames de l'heroïna estan paralitzades, entens amb tristesa la distància que encara té de casa.

A primera vista, Wyeth va escriure el més normal. Aquí hi ha una finestra antiga d'una casa antiga. Una cortina cutre que ja s'ha començat a fer trinxer. El bosc és fosc fora de la finestra.

Però hi ha una mica de misteri en tot això. Una altra mirada.

Així és com els nens saben mirar el món amb la ment oberta. Wyatt té el mateix aspecte. I estem amb ell.

Tots els assumptes de Wyeth van ser gestionats per la seva dona. Era una bona organitzadora. Va ser ella qui va contactar amb museus i col·leccionistes.

Hi havia poc romanç a la seva relació. Havia d'aparèixer la musa. I es va convertir en una Helga senzilla, però amb un aspecte extraordinari. Això és exactament el que veiem en nombrosos treballs.

Sembla que només estem veient una imatge fotogràfica d'una dona. Però per alguna raó és difícil allunyar-se d'ella. La seva mirada és massa complicada, les espatlles tenses. És com si estiguéssim internament tensos juntament amb ella. Intentant trobar una explicació a aquesta tensió.

Representant la realitat amb tots els detalls, Wyeth la va dotar màgicament d'emocions que no poden deixar indiferent a ningú.

L'artista no va ser reconegut durant molt de temps. Amb el seu realisme, encara que màgic, no encaixava en les tendències modernistes del segle XX.

Quan els treballadors del museu van comprar les seves obres, van intentar fer-ho en silenci, sense cridar l'atenció. Poques vegades s'organitzaven exposicions. Però per enveja dels modernistes, sempre van tenir un èxit rotund. La gent va venir en massa. I encara vénen.

Llegiu també sobre l'artista a l'article "El món de la Cristina. L'obra mestra d'Andrew Wyeth".

6. Jackson Pollock (1912-1956)

Jackson Pollock no es pot ignorar. Va creuar una certa línia en l'art, després de la qual la pintura no podia ser la mateixa. Va demostrar que en l'art generalment és possible prescindir de límits. Quan vaig posar el llenç a terra i l'he esquitxat amb pintura.

I aquest artista nord-americà va començar amb l'art abstracte, en el qual encara es podia rastrejar el figuratiu. A la seva obra dels anys 40, "Figura estenogràfica", veiem els contorns tant de la cara com de les mans. I fins i tot símbols que entenem en forma de creus i zeros.

La seva obra va ser elogiada, però la gent no tenia pressa per comprar-la. Era pobre com un ratolí d'església. I va beure sense vergonya. Tot i el matrimoni feliç. La seva dona admirava el seu talent i va fer tot per l'èxit del seu marit.

Però Pollock va ser inicialment una personalitat trencada. Des de la seva joventut, va quedar clar per les seves accions que la mort primerenca era el seu destí.

Aquest trencament acabarà amb la seva mort als 44 anys. Però tindrà temps per fer una revolució en l'art i fer-se famós.

I ho va fer durant un període de dos anys de sobrietat. Va poder treballar fructíferament el 1950-1952. Va experimentar durant molt de temps fins que va arribar a la tècnica del degoteig.

Disposant un llenç enorme al terra del seu graner, va passejar-hi al voltant, com si estigués en el mateix quadre. I pintura esquitxada o simplement abocada.

La gent va començar a comprar-li de bon grat aquestes pintures inusuals per la seva increïble originalitat i novetat.

Pollock es va veure aclaparat per la fama i va caure en la depressió, sense saber cap a on s'havia de moure. La barreja mortal d'alcohol i depressió no li va deixar cap possibilitat de sobreviure. Un dia es va posar al volant molt borratxo. L'última vegada.

7. Andy Warhol (1928-1987)

Només en un país amb un culte al consum com a Amèrica podria néixer l'art pop. I el seu principal iniciador va ser, per descomptat, Andy Warhol.

Es va fer famós per agafar les coses més corrents i convertir-les en una obra d'art. Això és el que va passar amb una llauna de sopa Campbell.

L'elecció no va ser casual. La mare de Warhol va alimentar el seu fill amb aquesta sopa cada dia durant més de 20 anys. Fins i tot quan es va traslladar a Nova York i es va endur la seva mare amb ell.

Després d'aquest experiment, Warhol es va interessar per la serigrafia. A partir d'aleshores va fer fotos d'estrelles del pop i les va pintar de diferents colors.

Així va aparèixer la seva famosa Marilyn Monroe pintada.

Es van produir una infinitat d'aquestes flors àcides de Marilyn. Warhol va posar en marxa l'art. Com hauria de ser en una societat de consum.

Warhol no va sortir amb cares pintades del no-res. I de nou, no va estar exempt de la influència de la mare. De petita, durant la llarga malaltia del seu fill, li va portar paquets de llibres per pintar.

Aquesta afició infantil es va convertir en el que es va convertir en la seva targeta de visita i el va fer fabulosament ric.

Va pintar no només estrelles del pop, sinó també les obres mestres dels seus predecessors. També ho entenc "Venus" de Botticelli.

"Venus", com Marilyn, s'ha fet molt. L'exclusivitat d'una obra d'art va ser "esborrada" en pols per Warhol. Per què l'artista va fer això?

Per popularitzar velles obres mestres? O, al contrari, intentar devaluar-los? Immortalitzar les estrelles del pop? O condimentar la mort amb ironia?

Les seves obres de colors de Madonna, Elvis Presley o Lenin són de vegades més reconeixibles que les fotografies originals.

Però les obres mestres gairebé no es van eclipsar. Tot i així, la verge "Venus" segueix sent impagable.

Warhol era un àvid animal de festa, que atreia molta gent marginada. Drogodependents, actors fallits o simplement individus desequilibrats. Un dels quals li va disparar una vegada.

Warhol va sobreviure. Però 20 anys després, a causa de les conseqüències d'una ferida que havia patit abans, va morir sol al seu pis.

Crisol dels EUA

Malgrat la curta història de l'art americà, la gamma és àmplia. Entre els artistes americans hi ha els impressionistes (Sargent), els realistes màgics (Wyeth), els expressionistes abstractes (Pollock) i els pioners de l'art pop (Warhol).

Bé, als nord-americans els encanta la llibertat d'elecció en tot. Centenars de denominacions. Centenars de nacions. Centenars d'estils d'art. Per això és el gresol dels Estats Units d'Amèrica.

*Tonalisme: paisatges monocroms en tons grisos, blaus o marrons, quan la imatge és com en una boira. El tonalisme es considera una branca de l'impressionisme, ja que transmet la impressió de l'artista del que va veure.

***

Comentaris altres lectors mirar abaix. Sovint són una bona addició a un article. També pots compartir la teva opinió sobre el quadre i l'artista, així com fer una pregunta a l'autor.

Versió en anglès de l'article