Galeria d'art europeu i americà a Moscou. 6 quadres que val la pena veure

Aquest article és per a aquells que no van per primera vegada al Museu Pushkin. Ja has vist el més les principals obres mestres de les Galeries d'Art d'Europa i Amèrica (que forma part del Museu Pushkin i es troba en un edifici independent a Volkhonka, 14 a Moscou). I “Blue Dancers” de Degas. И "Jeanne Samari" Renoir. I els famosos "Lliris d'aigua" de Monet.

Ara és el moment d'explorar la col·lecció més a fons. I presta atenció a les obres mestres menys promocionades. Però encara són obres mestres. Tots iguals grans artistes.

I fins i tot aquells que vau passar per alt en la vostra primera visita al museu. És poc probable que després t'hagis aturat davant de "Girls on the Bridge" Edvard Munch. O "jungla" Henri Rousseau. Anem a conèixer-los millor.

1. Francisco Goya. Carnaval. 1810-1820

Només hi ha tres quadres de Francisco Goya a Rússia. Dos d'ells es troben al Museu Puixkin (Tercer quadre, “Retrat de l'actriu Antonia Zarate” - dins Ermita. Per tant, val la pena considerar un d'ells. És a dir, "Carnaval".

És poc coneguda a l'estranger. No obstant això, molt goig. En el seu esperit. Sinistre, burlador. El carnaval té lloc durant el dia. Però a la imatge sembla que fos de nit. La gent que "celebra" sembla tan espantosa. És com si aquests fossin borratxos i bandolers que sortissin a fer problemes al matí.

Aquest és potser el carnaval més fosc que s'ha escrit mai. Aquesta foscor era característica de totes les obres tardanes de Goya. Fins i tot en obres d'encàrrec més acolorides, podia representar presagis de coses dolentes.

Sí, encès retrat del fill d'aristòcrates representava gats amb mals ulls. Personifiquen el mal del món, que s'esforça per prendre possessió de l'ànima innocent d'un nen.

2. Claude Monet. Lila al sol. 1872

"Liles al sol" - la mateixa encarnació impressionisme. Colors brillants. Resplendor de llum a la roba. Contrast de llum i ombra. Falta de detalls precisos. La imatge sembla passar per un vel.

Si t'agrada l'impressionisme, aquest quadre t'ensenyarà exactament per què.

Els nens petits perceben el món sense detalls, com a través d'aigua espessa. Almenys, així descriuen els seus records les persones que es recorden a si mateixos als 2-3 anys. A aquesta edat, ho avaluem tot molt més emocionalment. Per tant, les obres dels impressionistes, especialment Claude Monet evocar emocions en nosaltres. Majoritàriament agradable, és clar.

"Lilac in the Sun" no és una excepció. No t'importa que les cares de les dones assegudes sota els arbres no siguin visibles. I encara més, el seu estatus social i el tema de conversa són indiferents. Et sentiràs aclaparat per les emocions. El desig d'analitzar res no despertarà. Perquè ets com en la infància. T'alegras. Estàs trist. T'agrada. Estàs preocupat.

Llegeix sobre una altra obra meravellosa de Monet a Pushkinsky “Boulevard des Capucines. Fets inusuals sobre la pintura".

3. Vincent Van Gogh. Retrat del doctor Ray. 1889

En els últims anys de la seva vida, Van Gogh va estar completament a mercè del color. Va ser en aquest moment quan va crear el seu famós "Giras-sols". Fins i tot els seus retrats són molt brillants. "Retrat del doctor Ray" no és una excepció.

Jaqueta blava. Fons verd amb remolins groc-vermell. Massa inusual per al segle XIX. Per descomptat, el doctor Ray no va apreciar el regal. Ho va percebre com una imatge absurda d'un pacient mentalment malalt. El vaig tirar a l'àtic. Després va tapar completament el forat del galliner amb ell.

De fet, Van Gogh va pintar un tal von deliberadament. El color era el seu llenguatge al·legòric. Rínxols i colors brillants són les emocions d'agraïment que l'artista va sentir cap al metge.

Després de tot, va ser ell qui va ajudar a Van Gogh a fer front als atacs de malaltia mental després del famós esdeveniment amb l'orella tallada. El metge fins i tot volia cosir el lòbul de l'orella de l'artista. Però va trigar massa a portar-la a l'hospital (Van Gogh va donar l'orella a una prostituta amb les paraules "Això et pot ser útil").

Llegiu sobre altres treballs del mestre a l'article "5 obres mestres de Van Gogh".

4. Paul Cézanne. Préssecs i peres. 1895

Paul Cézanne va declarar el boicot a les imatges fotogràfiques. Igual que els seus contemporanis els impressionistes. Només si els impressionistes representaven una impressió fugaç, deixant de banda els detalls. Cezanne va modificar aquests detalls.

Això és clarament visible a la seva natura morta "Péssecs i peres". Mireu més de prop la imatge. Trobareu moltes distorsions de la realitat. Violacions de les lleis de la física. Lleis de la perspectiva.

L'artista transmet la seva pròpia visió de la realitat. És subjectiu. I mirem el mateix objecte des de diferents angles al llarg del dia. Així doncs, resulta que la taula sembla que es mostra des del costat. I la taula es mostra gairebé des de dalt. És com si ens caigués damunt.

Mira la gerra. La línia de la taula a l'esquerra i a la dreta no coincideixen. I les estovalles fins i tot sembla "fluir" al plat. La imatge és com un trencaclosques. Com més temps mires, més distorsions de la realitat trobaràs.

És només un tir de pedra del cubisme i el primitivisme de Picasso Matisse. Cézanne és la seva principal inspiració.

5. Edvard Munch. Noies al pont. 1902-1903

L'estil característic d'Edvard Munch va ser influenciat per Van Gogh. Igual que Van Gogh, utilitza el color i les línies senzilles per expressar les seves emocions. Només Van Gogh representava més l'alegria i el delit. Munch: desesperació, malenconia, por. Com a la sèrie quadres "Scream".

"Girls on the Bridge" es va crear després del famós "Scream". Són iguals. Pont, aigua, cel. Les mateixes onades amples de pintura. Només a diferència de "Scream", aquesta imatge porta emocions positives. Resulta que l'artista no sempre va estar sotmès a la depressió i la desesperació. De vegades, l'esperança es trencava.

El quadre va ser pintat a la ciutat d'Åsgardstan. L'artista l'estimava molt. Ara tot segueix igual. Si hi aneu, trobareu el mateix pont i la mateixa casa blanca darrere d'una tanca blanca.

6. Pablo Picasso. Violí. 1912

Picasso va aconseguir treballar en diferents direccions durant la seva vida. Encara que molts el coneixen com a cubista. "El violí" és una de les seves obres cubistes més impactants.

Picasso va "desmuntar" completament el violí en parts. Veus una part des d'un angle, l'altra des d'un altre completament diferent. És com si l'artista estigués jugant amb tu. La teva tasca és posar mentalment les diferents parts en un sol objecte. Aquí hi ha un rebus tan pintoresc.

Molt aviat, Picasso, a més de la tela i les pintures a l'oli, començarà a utilitzar trossos de diari i fusta. Això ja serà un collage. Aquesta evolució no és sorprenent. De fet, al segle XX, amb l'ajuda de la tecnologia, és molt fàcil veure i fins i tot tenir una reproducció de qualsevol obra. I només una obra feta amb peces de diferents materials esdevé única. Ja no es pot reproduir tan fàcilment.

Llegiu sobre una altra obra mestra del mestre, que es conserva a Pushkinsky a l'article "Girl on a Ball" de Picasso. Què diu la imatge?

Si voleu tornar a visitar el Museu Puixkin, he assolit el meu objectiu. Si no hi heu estat mai abans, comenceu a estudiar les seves obres mestres a partir de l'article "7 pintures del Museu Pushkin que val la pena veure."

***

Comentaris altres lectors mirar abaix. Sovint són una bona addició a un article. També pots compartir la teva opinió sobre el quadre i l'artista, així com fer una pregunta a l'autor.